La rhétorique entre  singe et humain a cela d’intéressante qu’elle offre des angles de comparaisons entre ce qui nous définit comme humain et ce qui fait de nous des animaux.
La pochette à beau être ornée de macaques perdus dans des considérations bassement alimentaires, c’est pourtant  bien à 12 projets éminemment humains, "couronnées d’humanité" que nous devons ici faire face. Une transversalité admirable entre des genres pourtant difficiles à marier, où prédomine l’extase de la belle mélodie et du son ovale, la rotondité, une multiplicité d’approches, où chacun sait pourtant rester maître de son intégrité et du genre abordé. On pense irrémédiablement, dans cette souplesse d’esprit et dans cette veine au label de Stewart, le merveilleux 555 ou à Fat Cat. Cette idée de mélange, d’interdisciplinarité a pourtant la généreuse intelligence de préserver l’intégrité des styles  ; une garantie qui laisse un esprit brûlant de liberté aux intervenants. Des signatures encore discrètes dans le paysage international qui ont pourtant la belle allure des Grands. Le génial Noonday Underground (Qu’on retrouve sur son album avec Peter Weller  de Feu les Jams), Matt Harding, Unsound, J Xaverre, Junkboy…. pop  vitaminée,  folk névralgique, rock furieux, électronique datée, lo-fi intime ect… Une compilation à la périphérie du livre de Will SELF "Les grands singes". A nous de savoir considérer si oui ou non, selon l’allégorie sous-tendue par cette compilation,  nous ne  sommes qu’à l’orée de notre évolution musicale, ou si nous en sommes au firmament. Dans le cas présent, c’est bien de Zénith qu’il est question. Excellent !!

Dans une époque où l’originalité et le libertinage lexical n’ont pas d’équivalent; il paraît presque improbable de trouver  un musicien dont le ( vrai ) patronyme a tous les atours de la fantaisie et de l’imaginaire. De la forme au fond, il n’y a qu’un pas…
Rainier Lericolais à la noblesse d’âme des grands explorateurs passés, de Vasco de Gama à Christophe Colomb, cette même soif de découverte. Le prosélytisme en moins, peut-être. Car Rainier Lericolais est un nomade du son et de l’expérimentation  : croisant les pratiques, initiant les modes, sa musique a le charme du nouveau monde tout en conservant la saveur  d’antan. Elle fait autant appel à l’intellect qu’au domaine charnel. La raison et l’émotion rassemblées, en quelque sorte.
Sans y faire directement référence (quoi que), ce disque se découvre une âme sœur avec la perception personnelle de l’Autrichien Christian Fennesz. Une manière sensible d’interpréter son environnement et de ré échantillonner ses acquis. Une culture qui ici met en relief un récent voyage au japon, ayant servi dans la foulée de support à une exposition au FRAC de Yriex. Car avant d’être musicien, le jeune homme est plasticien et photographe. Mais la distinction est formelle puisque sa démarche artistique est similaire ; phonèmes et pixels  vus comme matière brute au récit d’histoires, de contes modernes. Une exposition dont le prétexte musical est cet album, qui l’a également amené à photographier Christian Fennesz. On retrouve également sur ce  disque son vieil acolyte et partenaire de glisse David Sanson qui pousse ici la chansonnette aux côtés de lili kim et d’autres prestataires talentueux de service. Un album original et sensible, prompt à établir une certaine anarchie dans nos sensations tout en apaisant le caractère profond de notre être. Très intéressant.

On serait tenté de déceler dans cet album un  certain appel à l’enfance,  une dimension antérieure, proche de la naissance, une relative propension à nous faire migrer vers des climats imaginaires ou oniriques ; Sans doute les petites illustrations enfantines de la pochette (des gribouillis et autres raturages de facture naïve) le découpage des morceaux en secondes, et le prolongement vers le label (Music for dreams) participent de cet élan.
La réalité est tout autre, Grasskirt épanche une musique chaude et feutrée, dans une lignée proche de l’écurie  Catskill, bribes de mélodie rock, de sonorités trip-hop, de gimmick dans l’air du temps (bossa, tango, musique tzigane) de gammes pop et d’arômes easy listening. De la musique de salon, Lounge et cosy, world culture de poche,  prétexte  à l’attente de l’hiver. Une synthèse de l’année passée.

Les 10 arguments qui doivent vous convaincre d’écouter ce petit disque :
1. Parce qu’un joli titre est toujours une promesse d’intelligence.
2. Parce que Dragibus ne peut pas sortir plus d’un album par an.
3. Parce que certains jours, on aimerait rester enfant.
4. La spontanéité, la sincérité et la curiosité sont des états d’âme à cultiver
5. Parce que 5 petits euros valent bien 45 petites plages.
6. Parce qu’il faut soutenir les productions indépendantes.
7. Parce que quelqu’un qui fouille à ce point les possibilités d’un 4 pistes c’est exaltant.
8. Parce que V/VM n’a pas pensé à sortir un disque sur l’enfance
9. Ça fait combien d’année que vous n’avez pas lèché du Tang dans votre paume en écoutant des 45 T en accéléré ?
10. son mèl

La petite usine à Gamme Chromatique continue sa production étagée de colorants, osant avec toujours davantage de panache mélanges, miscellanées et autres mixions de bruits translucides et de perturbations hertziennes.
Si sa petite entreprise ne connaît pas la crise, c’est qu’il a su à chaque période se remettre en question, devancer ses envies, anticiper nos attentes. Chaque nouvelle avancée de Fabrique de couleurs est l’occasion d’une étape franchie ; la dernière en date prend la forme d’une micro structure à visée culturelle et mélomane, Dorodine – néologisme ou invention emprunte d’anarchisme et de lutte des classes-, label à même de répondre à la soif de production/création de son instigateur, Emmanuel Allard ; label également soigné, à l’esthétique intransigeante et épurée et aux lignes directrices encore informelles. Dorodine, ou la résurgence contemporaine d’Heidi Rec (label Cdr), renaissance portant en elle, la saveur  de l’œuvre en train de se faire, la fougue de l’œuvre restant à accomplir  et un peu de spontanéité, aussi. L’une des qualités de son approche, c’est de laisser entrevoir, au-delà de l’opaque vélum cotonneux de saturations et de grésillements, une fine, presque dissimulée esquisse de mélodie... Une évocation sonore des photos de Nan Goldin  ; assemblage déstructuré de formes, de lumières et d’ombres, à la fois violentes parce qu’âpres et dans le même temps douces, car volées subrepticement… la fugitive beauté du mouvement. Dans cette quête sonore, c’est toute la sensibilité d’une humanité qui s’exprime, sa part de prestige, d’obscurité et de désir, d’humour également... Un  obscur objet de désir  calé entre Bruce Gilbert, Pan Sonic et Wendy Carlos...

L’art au secours de la guerre, la musique au secours de la compréhension des conflits: voilà en deux mots résumés la proposition  de Metaxu, duo italien basé à Rome, composé de Filippo Paolini et de Maurizio Martisciello. Un condensé de court-circuits historique fondé sur les vertus de l’échantillonnage, de contorsions de scratch et d’une dimension artisanale auréolée d’un savoir-faire lo-fi de bonne augure. Pas de guerre sans victimes, ni de destruction sans scories. De ces déchets sans relations, le duo s’accorde à reconstruire un univers. De cet amas de pertes, ils recomposent, ils rétablissent sans apologie, ni dénonciation gratuite ; les deux musiciens "s’amusent" avec sérieux et délivrent, avec une impartialité relative ce matériau sonore.
L’approche, quant à elle exerce un point de tension entre des climats d’ambiants environnementales habitées d’un microcosme actif (Saigon/Hiroshima) et d’autre part de moments de superbes liturgies dignes d’un Ligeti ou d’un Arvo Part (Pearl Harbour) ou des ambiances proches de Column One (90 % wasser). L’éclectisme d’un Moondog des temps modernes qui rêverait la synthèse de Penumbra, d’Olivier Messian et de Francisco Lopez. Très Bon !!

Don diasco, en guise d’appât, vampirise en l’espace de 3 mesures toute l’attention environnante. Rien d’étonnant si l’on considère la vertigineuse construction des rythmes, la voix haut perchée de Jamie Stewart, qui hésite entre hurlements châtrés à la Robert Smith et éraillements incontrôlés qui prédisposent ce Jeu de couteau à un joyeux bain de sang malgré des arrangements savants et chaleureux, jazzy, et autres scories mélodiques originales et provocantes. C’est dans la culture anglaise de ce début de Eighties que Xiu Xiu puise sa force vitale, son essence mirifique; la texture de 4 AD,  et de Bowie est assez présente alors même que la voix de Stewart évoque tour à tour  celle de Robert Smith ou du chanteur de Da Capo. On traverse des paysages de raffinerie en cessation d’activité, de terrils à l’abandon, de plafonds nuageux bas et ombreux ; Pourtant, au milieu de ce marasme social et humain,  percent des rayons de lumière, illuminations de l’esprit, souffles de la création.
Une pop au vitriole, élevée dans les quartiers sombres des banlieues anglaises, un folk querelleur du sérail, où la fébrilité semble gainée d’une violence et d’une tristesse à peine contenues. Un grand moment de bonheur et d’incertitude.

A la manière de nombre de ses compatriotes, Belousov perpétue le lègue de ses ancêtres, un atavisme culturel et intellectuel, où se prolongent les recherches graphiques entamées par Rodchenko, Maïakovski ou Djega Vertov et plus proches d’eux Eu,  voire Monolake. Un clin d’œil appuyé au suprématisme et aux vagues surréalistes qui s’y sont succédées et une révérence à l’iconographie propagandiste du début de siècle dernier.
On avait découvert le jeune homme (Roman Belousov) à l’occasion des Séries de Bip-hop, on savait également qu’il avait égrainé ses précédentes productions au fil de labels défricheurs, Art-Tek, Pitchcadet ou Shaped Harmonics Les perspectives musicales  ici discutées ont la sapidité désuète des titres EBM du début des années Thatcher ; une musique en mutation, aux confluents des genres ; proto électronique ; musique post industrielle, no wave. Avec une atmosphère emprunte de romantisme et d’expérimentations tout azimut., A ce titre Novel 23 se fait le porte flambeau d’une certaine idée de la musique défendue par "OMD" ou Nitzer Ebb. Loin de toute rigidité, de toute forme de raideur du rythme, les constructions mélodiques diffusent leur engourdissement. La trame de sons ondulants et oscillatoires, prétexte à un certain apaisement insinue ses bien-faits dans notre organisme. L’ambiance établie une idée de confinement et de chaleur, malgré ce que semble nous suggérer un bandeau intérieur ou "l’architecture est une musique glaciale" ; Ambiance qui rapproche définitivement Novel 23 des premières productions du label Morr Music et plus généralement des productions d’électronica minimalistes et naïves.
Quelque chose comme la genèse de ce mouvement. Très agréable.

Lautréamont, qu’on ait lu ou non ses écrits est un auteur dont l’image est à ce point intense qu’elle se suffit à elle-même, imposant une esthétique, véhiculant un flot d’impressions et de perceptions représentatives de l’ambiance de son époque et de son œuvre : surréalisme, noirceur, violence intérieure, opacité des sentiments. Lautréamont, mort à 24 ans, en 1870 n’aura jamais connu le jazz, ni même la musique improvisée ; Erik Friedlander, quant à lui,  n’a pas lu Lautréamont et encore moins connu son époque… Pourtant, à la faveur d’un clin d’œil de l’histoire cette rencontre unique va se produire, fruit d’une lecture unique et directe de poèmes choisis, dans une démarche pareille à de l’écriture automatique, où le musicien laisse à son archet et son instrument (le violoncelle) le soin de prolonger les maillages inconscients de ses interprétations de textes. Un album solo audacieux, dans un registre pas des plus évidents, mais où les puissants contrastes des écrits et la violence intrinsèque des mots servent nécessairement l’ambitieuse mise en musique du texte. Erik Friedlander affilié à la scène New-Yorkaise du jazz au côté de John Zorn ou Cibbo Matto, a évolué dès son plus jeune âge dans les limbes de ce genre, grâce à son père Lee Friedlander qui, à défaut d’écrire quelques pages du jazz contemporain, aura laissé quelques clichés somptueux, depuis les pochettes d’albums de Ray Charles à Coltrane en passant par Mingus. Une synthèse d’histoire, de mots et d’images que l’on discerne dans la culture de son fils. Un album solo audacieux qui nous plonge dans la violence des sonorités et des attaques et qui raisonne avec les mots du poète, pour un album psychotrope et inventif, bien plus puissant que la réalité. Un album solo, qui intronise 50 ans après les balbutiements du free-jazz le violoncelle à sa juste mesure. Très bon.

> DICKY BIRD Indéfendable (XTT records/Southern)

Dicky Bird exprime forcément, bien davantage dans les non-dits de sa carrière et de ses expériences que par le seul fait de sa musique, toute l’effervescence d’une époque, la ferveur d’une passion (inconsidérée) pour la musique. Issu d’une scène française où émo-noise / power Pop / Hardcore cohabitaient et faisaient battre la mesure de la jeunesse d’alors, au côté de Drive Blind, des Portobello Bones, de Condense, des Skippies, de Bastard ou de Hint et tant d’autres… les revoilà sur le devant de la scène. Un retour faisant suite à 4 ans d’absence, quatre années séparant  The Fourth (5 titres) de cet indéfendable qui pour évacuer rapidement la "belle" anecdote a été enregistré par les soins de Steve Albini (Shellac), à Chicago et masterisé à Londres Par John Lacer au studio Abbey Road, non par amour des 4 de Liverpool, mais par soucis d’offrir la meilleur restitution de leur travail. Indéfendable est sur la forme et le fond, leur album le plus intense : la consicion métronomique et spartiate d’Albini ; cette radicalité et cette épure rythmique collent parfaitement au sentiment d’urgence et d’évidence qu’inspirent leur musique. Le fond, par ailleurs, avec des textes où l’intimité portée par une expérience douloureuse vient s’appareiller à la musique, lui infliger une densité palpable, une gravité salutaire, une forme de catharsis, en fait. Par un effet heureux d’entropie, on chemine dans les limites sombres et poétiques, vivantes et percussives de cet album. Des sensations en apparence contradictoires mais qui pourtant stigmatisent la nature profonde de ce trio.

Il est des mystères dont "l’insondabilité" laisse perplexe !! Ainsi ce qui pour la plus large part des américains évoque l’inconfort, la paysannerie, l’austérité, le nationalisme grégaire  et une certaine idée d’un retour en arrière; à savoir les grands espaces de l’Ouest américain, leur pont couvert de bois peint en rouge et accessoirement leurs habitants, fait de ce côté ci de l’Atlantique fantasmer une large frange de la jeunesse européenne qui y voit une forme de retour aux sources, une "Thoreau-isation" de leur mode de vie, plus pure et plus sauvage,  plus proche de la nature et de l’isolement, éléments propices à l’introspection...
Santa Cruz a dans ses gibecières  les mêmes rêves  d’élévation, les mêmes espoirs nourris d’espaces infinis, ces mêmes vides à combler que des Nicolas Dunger, des Will Holdham ou d’autres chantres de cette néo-country à peine esthétisée. Pourtant, le cynisme et la distance leur permettent de prendre la mesure d’un rêve de prospérité et de tranquillité qui n’en est plus un. On traverse ici l’Amérique nuancée de Tom Shepard, de Rick Bass plus que celle éteinte de Jim Harrisson.
Un album brillant, lumineux, apaisant et enivrant, même si on finit par s’interroger sur la capacité de ce style à éviter la reproduction coutumière de schémas établis et d’archétypes de sensations (isolationnisme, quiétude, morosité…). Une symphonie pastorale et domestique. www.lagrangeadisques.com

Rares sont ceux à avoir échappé en leur temps à l’irradiante beauté obscure du blues incandescent de Mule, néo-country blues hallucinée et jouée fort, à pleine puissance.. A ce groupe et dans une moindre mesure à Reelfoot (Side-project) est associé à jamais le nom de PWLONG, jeune homme vieillissant à la barbe grise-salée et au chapeau visé, dont la voix voyage encore dans nos tympans malgré le temps et l’absence. 6 années d’attente pour qu’enfin, le timbre revêche et éraillé de sa voix, parfaite correspondance de sa musique, résonne à nouveau. Remenbered, au demeurant, est davantage une évolution annoncée de Reelfoot que de Mule, tant sur le fond, l’écriture et la structure des morceaux que sur son approche scénique.
Une réminiscence de blues, évanescence gutturale du gospel, de crissement sale de musique afro-américaine, d’innovation de rock furieux, qui nous rappelle, pour mémoire, l’apport de cet artiste aux vagues successives du genre (Jon Spencer et consort). A ceux pour qui la nostalgie n’est pas un vain mot.

Décomposé comme une trilogie en cd ou un triptyque sur sa version vinyle, c’est selon  ; c’est bien ainsi que doit être abordé cet album,  à l’aune des environnements variés, et pourtant cohérents qui maillent la nouvelle production de ce collectif, à la façon des saisons naissantes et s’étiolant dans un délicat dégradé de nuances. Plus gourmand de constructions et de densité que GSYBE, moins porté par l’abstraction et l’expérimentation concrète acoustique de SET FIRE TO FLAMES, C’est bien dans le rythme et la construction (progressive) que s’inscrit leur créneau.
Un album qui va crescendo, entamé par une ballade introspective et délicate dédiée à une femme, pour finir dans une incantation festive et explosive (Hooray, Hooray, Hooray) Une lente progression, où l’on prend un plaisir intense à croiser des réminiscences country, des sections cuivrées de salles enfumées, pénombre de jazz, et absolue sérénité de climats folk pastoraux. WCHSH est un chant désespéré du grand Nord, recelant la douce fébrilité d’une nuée de flocons neigeux en descente, autant que l’impénétrable gravité d’un paysage, maculé d’un linceul blanc, "chaleureux" et enveloppant.
Ce prolongement de leur parcours, s’il soulève moins d’émois dans la communauté musicale (qui ne saurait être sujet au mode, cela va s’en dire) ne contient pas moins quelques-unes  des plus belles évocations de leur évolution et de cette année naissante.

On savait la nature féminine instable, virulente (notamment en période de soldes),  en proie aux angoisses les plus inavouables (quelles robes porter ?) et autres tergiversations moins honorables... pourtant, pourtant, Chica & the folder semble prompt à tailler nos clichés en pièces...
Chica & the Folder est un duo composé de Paula Schopf et de Max Loderbauer ; c’est leur première contribution au label Berlinois Monika Enterprise sur lequel on a vu passé par le passé Komëit, Contriva, Barbara Morgenstern, Figurine ou encore Quarks. Une contribution qui prend assise au Chili, une musique électronique naïve et colorée flirtant avec des sonorités datées (OMD) et sucrées Les vocaux assurés à tour de rôle par Chica Paula et Jorge Gonzalez n’ont d’exotiques que les noms... Chica and the folder investit le chili, terre d’adoption des chanteurs d’une EBM aux effluves instrumentales et ambiante néo new age (Ultimas palabras). On pense aussi à Figurine avec cette forte imprécation pop dominante avec des petites prédispositions à l’expérimentation.

Fable contemporaine, Clear Horizon est le fruit d’une relation non consommée d’un côté et l’autre de l’Atlantique ; amour par procuration d’échanges constants et ouverts, riches, curieux entre Jessica Bailliff et David Pearce. 2 noms qui résonnent de leurs syllabes au panthéon des artistes du label de Chicago. Une insertion dans l’univers nébuleux d’une pop blanche, saturée d’humidité, prompte  à altérer les capteurs et liaisons électriques, de féconder dans cet état de décomposition un florilège de grésillements, de stratifications abrasives de guitares. Sur une durée de 24 mois, les deux musiciens, prenant la mesure du temps et d’eux mêmes auront rédigé ce traité pour la brume, le paraphant d’un Clear Horizon. Un album qui aura virtuellement survolé plus de kilomètres et de temps qu’aucun autre disque. Une approche qui tour à tour lie les formulations et aspérités privilégiées de chaque intervenant  ; la touche féminine portée par les vocaux  doux et les fêlures de l’âme de  Jessica ;  le caractère spécial et fluctuant de David s’exprimant au détour de cette folk aveugle et anémiée ; deux univers qui au fil de l’album viennent doucement se fondre l’un à l’autre laissant chaque monde s’interpénétrer l’un à l’autre ; les fondements acoustiques, triptyques principalement vocaux, agrémentés d’arpèges brumeux de guitares et de portées de piano, imposent leurs trames narratives, appuyées plus que perturbées par des sources interférentes (percussions/ capteurs) Le résultat est une bouleversante contribution, une forme de progression sous-neigeuse, où les victimes d’une avalanche, dénuées de tout repères, chercheraient une échappatoire, une sortie vers la lumière. Toujours est-il que cet album ne provoquera en vous ni traumatisme ni calvaire….
Tout juste une belle aventure surexposée à s’en brûler les pupilles, à s’engourdir les tympans.  Ou la rencontre impromptue de Hope Sandoval et de Dissolve…

Telefon Tel Aviv, sans l’appui de batteries d’anti-missiles avait su faire trembler nos pous et nos tempes plus que de raison à la seule faveur d’un premier album dont on ne sait réellement s’il accordait ses faveurs à l’électronica pour justifier la démarche pop ou l’inverse. Une musique généreuse et racée, en tous les cas. Un duo dont la musique s’accorde parfaitement, sans tirer de jugement hâtif, avec l’air du temps, tirant de conflits et de ruptures ouvertes (modernité / tradition) (solitude / Surpeuplement) (Pollution / Pureté) des splendides programmes de réflexions, points d’ancrages à une musique luxuriante d’effets  et contemporaine. Ancré dans les sphères de l’électronica, lieux fréquentés des artistes de CCO, Vform ou Morr, ce nouvel album égraine un peu plus vers l’extérieure, installant ici des voix féminines, posant là quelques arpèges de violons,  laissant ouverte une gamme de possibles… lyrique et envoûtant !

Micha Acher & Stephanie Böhm ont malgré leur timidité et leur humilité allégrement fait parler d’eux, il y a un peu plus d’un an à l’occasion d’un No P.or d magistral, synthèse parfaite de rock aux embruns garages, de pop ultra mélodique, d’électronique fluette et vive et de la voix belle et faussement traînante de Stefanie Böhm. En toute sincérité, peu pensaient réalisable,  probable un second opus d’une qualité  équivalente. L’affection contenue de la Pop, la hargne fulgurante du rock,  le caractère opaque de la noisy et autres petites rixes de photons électroniques. No one anéantit en moins de 4 minutes toutes nos angoisses…un pur moment de grâce et d’énergie qui déroule le tapis rouge pour les compositions à venir. On trouve chez "While Talking" des signes distinctifs et des signes familiers. Un sentiment d’urgence plus marqué, plus d’énergie à l’œuvre, comme le sous-entend cette main tendue, écho hitchcockien d’un mal-être (bien-être) indicible. Stefanie Böhm joue beaucoup plus de son timbre, créant des situations rythmiques intéressantes, comme sur ce I’ qui voit se croiser Goldfrapp, the Rachel’s et une ébauche de scratch vivifiants. Un entremêlement de désir, de volonté et de doutes, de certitudes et d’égarement, de questionnements existentiels, de principes fondateurs d’un humanisme qui se cherche et qui compose pourtant avec beaucoup d’intelligence et de beauté. Toujours aussi Bon, Toujours aussi court !!

Fibbr record s’attache, au détour de cette 5e production à développer une réflexion entamée au sein de la revue Phrenesie #2 sur les accointances, les points d’ancrage et de dissociations avérées ou supposés entre langage verbal et musical. En cela, Phrenesie prolonge une analyse issue d’une pratique vieille d’un siècle, théorisée par Biely et les Futuristes italiens, mis en pratique par Schwitters, parmi tant d’autres.
Un long cheminement entrelaçant réflexions sur les codes du langage, la  diffusion des sonorités dans l’air, l’exploration de la matière même du langage : syllabes, syntaxe, borborygmes, phonèmes etc... Un parcours encombré d’artistes brillants, de projets étonnants, d’idées sulfureuses, composant malgré eux d’un vaste puzzle au dessein poétique et expérimental en évolution constante.
Des noms ? D’Arcand à Jaap Blonk, de Bernard Heidsieck à Chopin, d’Artaud à  julien Blaine , Serge Pey, etc. Pourtant, la revue Phrenesie et le label Fibrr, à l’encontre d’autres revues comme Erratum s’impose d’étudier par le petit bout de la lorgnette musicale sa recherche. Des interrogations qui débutent avec l’excellent travail à mi-chemin du spoken words, du cut-up, du cadavre exquis et de l’expérimentation. C’est l’interview d’un Tilbury passionné de Beckett, qui offre le substrat à la création, les puissantes nappes sonores en retrait n’étant que les bruits "amplifiés" de la bande son. (Un schéma pas trop éloigné du " respirations et brèves rencontres" de  Heidsieck). On pense aux travaux visuels et sonores de l’artiste Eddy D. Puis John Tilbury. Comme une heureuse mise en abîme, la voix chaude et  apaisée de John Tilbury revient nous emporter, sans addition ni effet, loin au pays de Beckett …un spoken Word qui met en exergue la réflexion intense et  profonde de Tilbury sur la transmission du texte en langage, son interprétation, sa transformation en matière sonore. Brandon Labelle clos ce disque avec une modulation et un brouillage d’ondes sur la boucle d’un  "three hundred sixtie five is a significate number" qui au cours de ses manipulations successives transforme la portée de cette courte phrase, en modifiant l’aspect émotionnel. C’est évidemment très répétitif, mais c’est divertissant dans le même temps. Une nouvelle expérience intense et réfléchie pour le label Fibrr.

Bjani  Pör Gunnarsson & Steindor Giétar Kristinsson, tous deux membres d’Einöma, composent ici une rigide et impartiale post-face à la musique néo-industrielle / environnementale. Des sons qui au départ ont un caractère proprement mécanique, "machinesque", et qui, pesamment, se convertissent en des climats beaucoup plus spectraux, détachés de toute pesanteur. De très belles ondes digitales évoluent au fil de cet album (Eindir, Oldugangur), permettant de réchauffer quelque peu l’atmosphère glaciale.
La rythmique emprunte volontiers à Aphex Twin et les 2 protagonistes ont l’air un peu perdus dans la quête qu’ils se sont fixé. Le caractère monochrome de la pochette (une sorte d’essai Vassarelien), la  dureté de certains rythmes et le caractère déshumanisé des compositions refrènent notre appétit à en savoir plus sur leur univers. Un album  intéressant, pour une raideur et une froideur assez inaccoutumée chez VForm.

 J’essaie de montrer ce qui précède l’œuvre-la confusion, le désordre de l’atelier, les outils les gestes- l’œuvre elle-même est invisible, elle n’est que dans l’esprit de l’artiste et lui-même souvent ne sait pas comment ça va se terminer. 
Voici en quelques mots résumés de quoi traite l’œuvre de Bruno Descout ; une excursion curieuse et passionnée dans le confidentiel et impénétrable univers de l’atelier d’artiste, sanctuaire entre tous d’une création en train de se faire. Au fil de ce livre-photographique, on suit une ingérence  sensible, une immixtion délicate, une intrusion douce dans l’antre du sculpteur-Peintre Jean-Pierre Valette (qui a réalisé récemment de superbes objets pour le label L’oreille électronique). La qualité et le regard juste du photographe soulignent ici à merveille les assemblages d’aciers filiformes et oblongs de l’artiste ; prolongement figé d’un travail en mouvement ; Quelques textes de Gérard Laplace (l’atelier / le contrat) viennent ponctuer l’ouvrage, émaillé par ailleurs d’illustrations de l’artiste, forme modeste d’enluminure à ce très bel ouvrage.

Alors que l’artiste m’était encore inconnu l’avant veille, le jeu confus des probabilités et  l’archange diabolique du hasard me font découvrir successivement J Xaverre sur la compile Moshi - moshi, puis à la diligente faveur de ce nouvel album paru sur Menphis Industries.
Quel en est le propos ? Une succession de ballades pop Anglaises investies, d’une facture ludique et assez classique, presque terrienne. Une approche assez comparable en fait  à celle de Beulah du père Kurosky voire quelquefois Oboken (l’emploi des violons) Pourtant, J Xaverre, sans renier la terre et le sol qui portent le poids de son corps, semble aimanté par le ciel étoilé et le firmament.
Un enivrement qui se découvre au fil de ses ballades, absorbées tout entières d’obscurité et de voix lactée, emprunte du sentiment d’insignifiance de l’humanité au regard de l’univers. Des chansons douces, sucrées où des voix de jeunes filles françaises viennent accompagner des mélodies qui, comme Nilsong, dévoilent aussi une belle gravité de composition. La compassion et la bonté qui se dégagent de ses 12 travaux trouvent ici un beau prétexte à notre attention.  A découvrir.